În ultima sută de ani în muzee de artă publice și colecții particulare acumulate mai multe lucrări ale căror forme, materiale și moduri de prezentare privitorului sunt semnificativ diferite de colecțiile clasice și șocantă mereu publicul. în urmă cu treizeci de ani în telespectatorilor din Moscova sunt nedumerit de interes în aceste lucrări, la fel ca în timpurile sovietice, au fost sub o interdicție politică, și a fost curios cu privire la ceea ce este atât de mult timp și cu grijă ascuns de oameni. Iar publicul feciorelnic tăcut, ascultând critici și ghiduri, îl convinge că el nu poate înțelege o limbă nouă, pentru că nu a crescut, care trăiesc în spatele „cortinei de fier“, dar va avea nevoie de timp, și. ... Și timpul a trecut. Acum, numai la Moscova, a existat o expoziție site-uri publice și private care afișează „arta contemporană“, de zece ori mai mult decât rămășițele muzeelor clasice. Cu toate acestea, în ciuda atenției atente a statului, expoziții de astăzi vizitatorii nu au stăpânit noua limbă de artă și expune lucrările de indiferență și chiar emoții negative.
Pentru a răspunde la această întrebare, este mai întâi necesar să se înțeleagă ceea ce constituie un concept bine stabilit de „opere de artă“ și modul în care sa format și sa schimbat într-un context istoric. Este logic să presupunem că arta are originea ca o reflecție asupra fenomenului naturale semnificative sau un eveniment social care a cauzat teroarea animalelor și admirația pentru omul antic superioritatea absolută peste el. Reflecția asupra semnificativ eveniment natural a conținut strâns țesute și rudimente de religie, știință și artă. Trebuie subliniat arta și formează opoziția necesară în lumea naturală ostilă din propria sa lume interioară de imagini ca formă de protecție iluzorie. Care ar trebui să fie sub forma transferului imaginii poate fi mai mult chiar și separat de formele de ritual, și rudimentele studiului? În primul rând, ar trebui să fie mare, iar imaginea a fost de a evoca sentimente de răspunsul publicului, care corespunde valorii și conținutul evenimentului. Acest lucru este confirmat de-a lungul istoriei umane fixe până în prezent. De exemplu, crearea unui complex memorial în România în domeniul luptele cele mai brutale de al doilea război mondial, sau construirea de înalt zgârie-nori din New York City pe site-ul de turnurile gemene ale World Trade Center.
Clienții astfel de lucrări ar putea fi doar funcționari de religie și de guvern, și numai ei pot evalua lucrările. Este ușor de observat chiar și în exemplul de mai sus, monumentele pe care imaginea umană generate de eveniment nu se repetă evenimentul în sine, și este un eufemism, care se realizează prin utilizarea diferitelor tehnici artistice, ceea ce face produsul estetic plăcut, accesibil percepției. Modificări în forme și autoritățile religioase au condus la o anumite cerințe de entropie pentru conținutul și forma de artă, dar criteriile de bază care diferențiază opera de arta de la obiecte de uz casnic de zi cu zi, păstrate timp de mii de ani. Rezumând experiența estetică, F. Hegel a formulat cele mai comune caracteristici ale unei opere de artă:
- „O operă de artă este un produs al activității umane, a fost creat pentru om și a apelat la simțurile sale exterioare, are un anumit scop.“
- „... Un element senzual într-o operă artistică are dreptul de a exista numai în măsura în care există pentru spiritul uman, nu ca senzuală în sine.“
- “... necesitatea universală și absolută, de la care provine arta, constă în faptul că omul este o conștiință de gândire, adică, ceea ce face din el și pentru el însuși ceea ce este și ce toate au, prin această activitate pentru tine acesta este spiritul existenței. "
Prima modificare a formei de artă și căutarea unui „limbaj nou“ manifestat în mod clar la sfârșitul lui X! X, la începutul secolului XX, care a fost din cauza unei schimbări calitative în societate, o schimbare în identitatea sa, cu activarea celor mai largi straturi ale populației. Următoarea versiune a energiei europene a provocat o nouă expansiune în Africa, Orientul Mijlociu, India, China, Coreea și țările oceanice. Armata a distrus rămășițele euforia moralității europene, devalorizat viața umană, și, probabil, a fost impactul emoțional semnificativ pe care arta a intensificat și o nouă filozofie. Mai mult faptul că următoarea rundă de colonizare a permis europenilor mai în detaliu pentru a afla cultura Africii și Orientul.
Ar trebui să fie amintit, totuși, că România nu a participat la extinderea în Africa și Orientul și pentru a păstra identitatea artei sale, care a provocat publicul european de la începutul secolului al XX-lea atenția entuziast. Cu toate acestea, această identitate a fost imediat izolat de simbolism și modernism francez ca expansiunea culturală a europenilor a fost întotdeauna considerată mai importantă decât militară sau economică.
Cine a devenit acum un „client“ de lucrări noi? Mai multe dintre ele. Desigur, au existat și clienții vechi - biserica și puterea, dar împreună cu ei în cantități mult mai mari au fost noi - întreprinderile cu o stare de creștere rapidă, inițial imitat stilul elitei vechi, dar care arată treptat gustul lor proprii.
Evenimentele tragice din primul război mondial, multe revoluții și războaie civile, a cuprins lumea, din nou schimbat fața lui, a schimbat viața și viața oamenilor, societăți întregi forțați să caute noi forme de supraviețuire. repere culturale ale Elene clasice și Renașterii părea infinit îndepărtat. A început căutarea de modalități de ideologie și impas morală descrisă cu anxietate nedisimulată O. Spengler / 7 /. O nouă direcție filosofică - existențialismul oarecum slăbit puterea de disperare.
Artiștii au fost acum complet în puterea de piață și poate să se bazeze doar pe asistența patronilor. Doar câteva au baza materială pentru creativitate. Cele mai multe, sau de sărăcie, sau alăturați-vă în grupul cu unicul scop - pentru a supraviețui. Situația a început treptat să se schimbe în anii '30 ai secolului al XX-lea, atunci când puterea în principalele țări europene au realizat importanța artei vizuale pentru propagandă ideologică. La acea vreme, ea a venit la pictura prim-plan arta monumentala, istoric și portret.
Al doilea război mondial au preluat controlul asupra întregii vieți culturale a comunității mondiale. Șocul operațiilor militare, rezultatele și consecințele lor a fost atât de puternic încât viața publică vine într-un impas. Societatea europeană, cu cultura sa vechi de secole nu a putut imagina, să nu mai vorbim seama de adâncimea de ceea ce sa întâmplat neomenie. Această condiție este exprimată pe scurt poet și filosof Theodor Adorno: „După Auschwitz, pentru a scrie poezie este imoral.“ Dar venind treptat din stupoare sale, compania a văzut războiul nu numai că a susținut viața a milioane de oameni, nu numai că a distrus industria și valorile culturale, este distrusă și criteriile fundamentale de moralitate, filosofie și artă. Societatea și-a pierdut îndrumare spirituală.
Cincizeci de ani din țările europene din secolul XX au fost condiționate finalizarea în străinătate a „industriale“ epoca (economia și industria au fost complet restaurate) și începutul unei noi ere - a „post-industriale“. Societatea europeană sa schimbat, de asemenea. Din „compania de producție“ se transformă în „societate de consum.“ Progresul tehnic a devenit un punct de referință major în aspirațiile societății, iar piața - mecanismul primar pentru punerea în aplicare a acestora. În ciuda avertismentelor alarmante și dramatice ale filosofilor: „Tehnologia este voința de superioritate care există, cum este“, „Voința de inspecție și excelență este voința de a distruge lucrurile“ / 10 /, piața a triumfat.
Nu trebuie să se reamintească faptul că viața socială în URSS, deși a procedat în același spațiu istoric, dar a diferit semnificativ de viata de vest. În primul rând, Uniunea Sovietică a ieșit din al doilea război mondial, iar câștigătorul este o lungă perioadă de timp pentru a menține un ton pozitiv în societate și funcționează puterea. În al doilea rând, Uniunea Sovietică a renunțat la un ajutor economic din SUA (Planul Marshall) și a fost forțată să izolare economică. Al treilea rând, bipolarizarea lume post-război a pus URSS în izolarea politică și culturală. În acest sens, viața culturală și artistică din Occident și Uniunea Sovietică sunt diferite și au diferite motive pentru schimbări și exprimare. În URSS, arta, subordonat doctrina „marxist-leninist“ puternic format în conformitate cu estetica romantismului, dovedit a promova reacția audienței pozitive. Criterii clasice Hellenic, care a început deja să lupte cu succes avangarda română, au fost returnate la comisari sovietici de artă pe piedestale. Omul a fost un erou al artei sovietice, cu condiția că acesta va fi un „om sovietic.“ Evaluarea acestor soluții de putere de la distanță „Azi“, este imposibil sa nu nota consistența lor în formarea de artă a reușit să societate bine controlat. Aceste acțiuni sunt conduse de arta un mod bine cunoscut și dovedit că nu necesită o reorganizare completă a sistemului de formare a artiștilor și criticilor de artă (este posibil să se păstreze și școala rusă de artă plastică și până în prezent). Doom istoric Notorious oricărui regim totalitar ne-a forțat să asiste agonia și prăbușirea artei sovietice, dar noi trebuie să plătească tribut pentru că 30 la anii 60 - anii de tipete expresionismului și abstractizare goale în vest - că arta sovietică a părăsit lucrările mondiale ale umanismului înalt. Criterii de Hellenic și tradițiile școlare sberezhonnye permit arta sovietică să salveze omenirea și nivelul artistic al lucrărilor, chiar și în perioada de artă protest, „furios“, „non-conformiști“ și „minimalist“. Numai română „conceptualismul“, vorbind împotriva artei sovietice, a început o luptă activă cu forma, adevărul și omul. Acesta conceptualismul românesc gest istoric condiționat, sa sacrificat ca o direcție artistică, mai mult și mai clar caracteristicile care arată mișcării social-politice.
Dar, în ciuda efectelor devastatoare ale pieței, majoritatea artiștilor (potrivit unor supraveghetori, mai mult de 80%) rămân în domeniul artei clasice. Mai mult decât atât, 70, Postmodernitatea - anii 90 ai secolului al XX-lea, similare militantismului în stil Art Nouveau, și este în esența sa și propria definiție a anti-arta, la începutul XX! lea sa schimbat semnificativ. Poate că acest lucru a contribuit la o schimbare calitativă în care cumpărătorul a încetat să reziste profanare de obicei de pe piață. Creșterea informații privind bagajele și nivelul de curatori pluralismului artistic. În partea de vest, după „războiului rece“, iar statul și piața este considerată în continuare fonduri neprofitabile pentru activitățile distructive ale conceptualismului și a revenit la susținerea imaginii figurative și o adevărată opere de artă. Instituțiile culturale ale țărilor occidentale, care îndeplinesc atribuțiile lor cu privire la examinarea producției artistice, este acum folosit nu numai la criteriile clasice, dar și tradițiile naționale, încercând să reînvie școala abandonată.
Din păcate, criticul de artă (mă refer o parte din ea, nu este influențată de piață și să păstreze independența de gândire) foarte politicos răspuns la presiunea irezistibilă a pieței. De exemplu, în „estetica“ OA Krivtsun / 13 / mai acceptată ca „formele de limbajul artei poate merge la forma ideologică și conceptuală numai în cazul în care limbajul artei are posibilitatea de a influența sugestivă.“ Sau amintesc remarca lui E. Cassirer:“... Continuarea dispariția obiectivității, cu atât mai puțin este expresia suficientă și adecvată a divinului, manifestate mai clar o nouă formă de creativitate - creativitate voință și acțiune / 14 /. Cu toate acestea, mai recente cercetători, de exemplu, filosoful german și istoricul de artă Hans Gadamer în „Relevanța frumuseții“ / 15 /, în detaliu, explorarea posibilităților de percepție a operelor postmoderne, se referă la bazele antropologice ale percepției, și chiar introduce un nou criteriu conceptual de „joc“, simbol“ „și“ de vacanță ". El deja în căutarea pozitiv în faptul că „... experiment de artă modernă își propune să transforme un observator indiferentă la joc, face un complice.“ Dar rezultatul încă vine la o concluzie negativă: „Cred că o greșeală de a se opune arta trecutului, care poate fi savurat și arta contemporană, care, cu ajutorul unor instrumente sofisticate de styling ne conduce la complicitate.“
A schimbat viziunea asupra artei contemporane și curatorilor occidentali progresive. Curatorul 54th Bienala de la Veneția Bice Krieger, critic și istoric de artă, într-un interviu pe site-ul „Cultura“ portal GIF.ru a spus: „Arta nu mai cultiva patosul anti-arta este. Atenția este concentrată acum pe fundațiile culturale de artă și de a studia convenții semantice din interior. Expoziția bienală va cuprinde lucrări de Tintoretto, Forța, Monica Sosnovskaya, Frantsa Uesta, precum și lucrări de artiști ai Iluminismului, a cărui moștenire relevantă pentru această zi ".
Dar, în România, a „cultivat patos de anti-arta.“ Acest lucru este confirmat nu numai de numeroase expoziții de artă pop în zonele non-publice, dar și proiecte comune, cum ar fi 5-lea Moscova Bienala, și promovarea artei pop a centrelor culturale publice, cum ar fi Galeria Tretyakov pe Krymsky Val, Moscova, Muzeul de Artă Modernă, Complexul multimedia de real arta, Moscova Centrul pentru Cultura contemporană, și altele. Ca și cum deja și nu există nici o altă artă contemporană.
Văd mai multe motive pentru această neînțelegere. În primul rând, structurile de putere se simt inveterat „vina“ înainte de subteran românesc, și este, prin urmare, deosebit de protector al artei pop moderne. În al doilea rând, afluxul de personal nou de istorici de artă și curatori (mulți dintre aceștia au fost educați în străinătate) în instituțiile culturale publice și private din România a adus convingerea corectitudinii criteriilor de piață, pe care Occidentul a început să refuze. În al treilea rând, structurile de putere din România sunt, de fapt, un jucător de piață și de a ajunge la propriul lor beneficiu maxim să ia o poziție activă pe piață. În cele din urmă, știind foarte bine că arta de mare a fost întotdeauna angajamentul de a reflecție liberă, orice autoritate pentru propria liniște sufletească preferă întotdeauna de mare artă bâlci de divertisment.
Dar, în ciuda semnelor de avertizare starea societății atins nivelul de democratizare impune pe fiecare spectator ca participant în procesul cultural libertatea de alegere am identificat criterii pentru evaluarea oricărei lucrări. În cazul în care privitorul este axat pe criterii clasice, nu va lua nici fie un show de divertisment ca o operă de artă. Pe de altă parte, în cazul în care este configurat pentru divertisment, el va fi plictisit printre operele de artă, atâta timp cât sufletul din adâncul său nu răspunde la semnele lor de apel. Cu toate acestea, sufletul răspunde.
/ 2 / Idem, p. 18.
/ 3 / Gegel. F "Estetica". "Arta" editura, M.1968, t 1, pagina 31 - .. 37.
/ 5 / Bergson A. "Creative Evolution" 1914 "Biblioteca digitală a filozofiei"
/ 9 / A. Badiou lui „Teze arta contemporană“ ziar digital „Ce să fac?» Www. GIF.ru