Arta în lumea antică
În lumea antică, termenul "artă" denota întreaga sferă largă de activitate practică și teoretică calificată a oamenilor, care necesită anumite abilități practice, formare, aptitudini etc. Prin urmare, în categoria de artă a scăzut și meserii tipice (tâmplărie, ceramică, construcții navale, țesut, etc.), și multe științe (aritmetică, astrologie, dialectice), precum și faptul că estetica moderne europene realizate în domeniu, și anume, "Arte fine" (poezie, dramă, muzică, pictura, arhitectură), arta ca expresie concentrată a experienței estetice.
Antichitatea a văzut mai mult sau mai puțin uniform originea artei (greacă - techne, lat - ars) este în entuziasm, divin. Deja poetul grecesc Epiharm a scris că toată arta provine de la zei și nu de la om. El a fost, de asemenea, relatat de mulți alți scriitori și gânditori care au văzut sursa artei pe Olympus. Destul de legenda comună a fost dezvoltat de Eschil, că artele secrete au adus oameni Prometeu furat de la zei. Printre cei mai consistente și inspirate creatorii artelor din antichitate a fost mult timp venerat poeți, muzicieni, dansatori, care au participat activ la organizarea cultelor religioase. Se credea că ei a lua cunoștințele lor direct în greci entuziasticheskom - inspirația divină a trimis în jos de sus) fiice muzicale extatice ale lui Zeus (de aici - musicheskie de artă), Apollo și alți dumnezei. Această linie a fost ulterior urmată de estetica platonico-neoplatonică. Aristotel în arta mai relevante (precum - creativitate - poiesis) la mintea umană, depozitul sufletului, „judecata adevărată“, având ca scop crearea a ceea ce nu are și nu poate avea loc în mod natural de la sine prin „este un fel de sacrament adevarata judecata a unui depozit al sufletului , care presupune creativitate ". Arta completează natura în cazul în care natura a lăsat lacune, iar produsele sale sunt echivalente cu cele naturale. . Seneca (I), în „scrisorile morale la Lutsiliyu“ discutând „cauze“ arta Interpretând cunoscute patru „cauze“ Aristotel (material de servire, formală și finală), împreună cu a cincea „cauza“ - conceptul de Platon „Idei“ ca model al oricărui lucru real și creat, ajunge la concluzia că există o singură "cauză" a artei.
Deja Heraclitus a formulat destul de clar principiul de bază al artei (pentru pictura, muzică și arte verbale) - imitație (mimesis). Lucrarea sa pe exemplul artelor verbale a fost dedicată unui tratat special "Despre arta poeziei" de Aristotel. El menționează aici și catharsis, ca urmare a tragediei unui om, deși un efect cathartic al artei (mai ales muzica), cunoscut și a scris un alt pitagoreici și alți gânditori vechi. De fapt, aspectul estetic al artelor verbale sunt dedicate și numeroase elocvența antic de conducere - „Retorică“ (în special, Aristotel, Dionisie din Halicarnas, mai multe tratate despre oratoriul Cicero și colab.). Începând cu pitagoreici acordat o atenție mult la bazele matematice ale artei - număr, ritm, proporția, prin care o parte din arta (muzica, poezie) „imitat“ ordinea armonioasă a Universului.
Aristotel a distins arta în funcție de semnul mimetic: a crea lucruri noi în plus față de lucrurile naturale sau a imita lucruri care există deja în natură. În categoria ultimelor au obținut cele mai multe din ceea ce noua estetică europeană a atribuit "artelor plastice". Rinitorul romanist Quintillian (secolul I) distinge arta teoretică, care nu necesita nicio acțiune și era în principal ocupată de cunoaștere (cum ar fi astronomia); practic, realizat într-o anumită acțiune și apoi lăsând nici un rezultat (de exemplu, dans), și "poetic", creând anumite lucrări (în special, sculptură, pictura).
Cu toate acestea, cele mai populare și vechi, iar pentru evului mediu occidental a devenit apărut chiar și în diviziunea artelor grecești clasice la liber și birouri, care a devenit parte a culturii europene în terminologia latină: Artes Liberales și Artes vulgares. Primului grup îi aparțineau artele, care trebuiau să se ocupe doar de cetățeni liberi ai politicii (sau republicii), adică arte și științe artistice; la cel de-al doilea - mai ales meșteșuguri, necesitând eforturi fizice (adesea sclavice). Cele dintâi au fost considerate mari, al doilea scăzut. Pentru acestea din urmă, în special, adesea incluse și pictura, sculptura, arhitectura. Una dintre edițiile ulterioare ale acestei clasificări este cunoscută, păstrată în scrierile doctorului și filosofului Galen (secolul al II-lea). arta de mare, el credea că retorica, dialectica, geometria, aritmetica, astronomia, gramatica și muzica ca disciplină teoretică a serii matematice. În ceea ce privește pictura, sculptura și arhitectura, el credea că ar putea fi atribuite artelor libere. În general, în ceea ce privește clasificarea acestor trei arte în antichitate, nu a existat un consens. Artele de servicii au fost înțelese ca fiind pur utilitare, iar cele gratuite au intrat adesea în categoria plăcerii.
În tratatul Enciclopedică Marciana Capella (. Prima jumătate a V) "Căsătoria Filologie și Mercur" oferă sistem de șapte arte liberale, care, atunci când avansat Boethius - (. End V-VI în) (sfârșitul V. Începând VI) și Cassiodorus au devenit tradiționale pentru Evul Mediu Occidental. arte liberale împărțit în „Prospera“ (gramatica, retorica, dialectica) și „kvadrivy“ (muzică, aritmetică, geometrie și astronomie). Pentru serviciul sau "mecanic" (mecanică), artele includ muzica ca artă, pictură, sculptură, arhitectură, diverse meșteșuguri. Astfel, filozofia antică a artei nu este aplicată în numeroase clasificări și să identifice „cauze“ ale principiului estetic, deși mulți dintre reale „Fine Arts“ au fost dedicate tratate speciale (poezie, elocvență, muzica, arhitectura, pictura), dar au concentrat pe sisteme de reguli care trebuie să fie învățate pentru a stăpâni aceste arte. Determinarea în antichitate a înțelegerii artei ca o activitate pricepută, bazată pe sistemul corespunzător de reguli, abilități, canoane.
extins în mod semnificativ înțelegerea artei antice și, de fapt, a dezvăluit simțul său estetic doar fondatorul neoplatonismului Plotin (III c.), dar în Antichitatea târzie, el a avut de fapt nici adepți. Spre deosebire de majoritatea gânditorilor antice care au scris despre artă, el a susținut că artele nu imită pur și simplu obiectele naturii, ci "penetrează principiile" care stau la baza naturii însăși. „Apoi, este necesar să se aibă în vedere faptul că opera de arta de a imita nu numai vizibile, dar înapoi la entitățile semantice (logoys), din care se transformă natura însăși, și că, în plus, ei construi o mulțime și pe cont propriu. Ele adaugă într-un fel sau altul defectele <свои свойства> ca posedând frumusete „Plotin, poate pentru prima dată în antichitate (cu el despre asta vorbesc întâmplător în“ Oratoriul „numai Cicero) sa concentrat în mod deliberat pe faptul că principala sarcină a artelor, cum ar fi muzica (ei prețuit mai presus de toate), poezie, pictura, sculptura, arhitectura, este crearea de frumusete; mai precis - dorința de a exprima ideea ideală (sau sunet - armonioasă, ritmică) care este întotdeauna frumoasă. Frumusețea artei, conform lui Plotin, este una dintre modalitățile de a întoarce o persoană din lumea noastră imperfectă într-o lume absolută, eidetică. Pentru a pune în aplicare această sarcină în pictură Plotin cartografiat chiar și un întreg sistem de norme, în conformitate cu care obiectele ar trebui să fie descris ca se uita aproape în lumina strălucitoare, folosind culori locale, în detaliu și fără nici o distorsiune în perspectivă (pictura antic termen drept cunoscută încă din secolul V î.Hr. sunt în mod activ folosirea lui in organizarea decoruri de teatru - în „skenografii“, iar mai târziu în picturile murale), evitând umbre și profunzimea câmpului. Potrivit lui Plotinus, numai în acest fel poate fi dezvăluită "forma internă" a lucrurilor. Câteva secole mai târziu, programul a fost implementat de arta bizantină, mai ales în fenomenul icoanei, și ideile ei au format în mare parte în baza esteticii și a teologiei icoanelor.
Arta în cultura creștină
În perioada Renașterii italiene durează sinteza mai activă și mai adecvate reprezentări creștine neoplatonice de artă care curgeau în atmosfera a început cultura secularizării idealizarea știință și efervescența de separare de arte Bisericii în curs de dezvoltare. În teorie, începe procesul activ de selecție într-o clasă specială de arte, al cărui scop principal este de a ilustra sau de a crea frumusețe, frumusețe, emoție de impresie emoțională, plăcere, expresia unei experiențe estetice nerealizate. Pe această bază, se vede o comunitate de arte, cum ar fi poezia, literatura (evidențiată într-un tip special de artă), arta, muzica, arhitectura, sculptura. Arta începe să se distingă de știință și de artizanat și vede ca esență specificitatea estetică. Până la mijlocul secolului al XVIII-lea. această înțelegere a artei este fixată de termenul special "les beaux arts", în cele din urmă legitimat de Sh. Bathe în studiul special "Artele Fine, reduse la un singur principiu". Aici și în scrierile ulterioare Bato împărtășită diversitatea artelor în trei clase în funcție de obiectivele principale: un pur utilitar (care servesc pentru uz uman) - este aptitudini tehnice (de exemplu, obiecte de artizanat); arta, având "un obiect al plăcerii. Ei ar fi putut fi născut numai în sânul bucuriei, abundența și liniște sufletească, ele sunt numite artele fine în adevăratul sens al cuvântului - muzica, poezie, pictură, sculptură, artă, mișcare sau dans „; aducând beneficii și plăcere. Aici Batoe include arta oratorică și arhitectura.
Din acel moment, în cultura europeană termenul „artă“ începe să-l „arte plastice“ etichetarea în mod constant, cu principalul său vyrazhenieesteticheskogo scop (de exemplu, se pune accent pe non-serviciu, se concentreze pe frumosul și plăcerea sublimă și estetică).
I. Kant definește clasa generală a artelor plastice ca un "joc, adică, ca o ocupație plăcută în sine "fără nici un scop. Unicul gol al acestei clase de arte el vede în „sentimentul de plăcere“ și numește această artă „estetică“, împărțind-o în „plăcut“, și de fapt, elegant. "În primul caz, scopul artei este că plăcerea însoțește conceptele doar ca senzații, în al doilea rând, că le însoțește ca tipuri de cunoaștere". Este vorba despre o anumită „cunoaștere“, esența care Kant vede „un sentiment de libertate în jocul facultăților noastre cognitive“, și în „comunicabilității universală de plăcere“, este „plăcerea de reflecție.“ În acest caz, funcția "cognitivă" a artei din Kant ar trebui mai degrabă să fie înțeleasă ca fiind "strălucitoare" - arta ca "revelație". Sferă, arta ce poate fi deschis - este domeniul ideilor transcendentale, care nu au cunoscut conceptuale și de conștiință sunt în mod direct în afara discursului oficial. Acest punct va fi dezvoltat mai târziu Heidegger (în special, în „sursa de creație artistică“, 1936) și alți gânditori ai secolului XX. Mediatorul care realizează astfel de revelații cu ajutorul artelor plastice nu poate fi decât activitatea creativă a unui geniu.
Goethe a considerat că arta este produsul unui spirit uman care imită natura în activitatea sa și, în acest sens, și o lucrare de natură. Cu toate acestea, datorită faptului că obiectele împrăștiate în natură sunt armonizate în arta spiritului artistului, astfel încât „chiar șes le dobândesc o valoare mai mare și demnitate“, opera de artă este, fără îndoială, „natură mai mare“. Prin urmare, artistul este atât un sclav al naturii, forțat să acționeze, deoarece pământesc înseamnă a fi înțeles, iar stăpânul său, deoarece cauzează aceste mijloace pământești pentru a „servi intențiile mai mari.“ De asemenea, este extrem de apreciat de artă și Schiller, care este direct legat de frumusețea și jocul, a crezut că componenta esențială a „stării estetice“, care este legea de bază a „Libertatea de a da libertate.“ Fichte era convins că arta, spre deosebire de știință, care formează mintea umană și moralitatea, formând „inima“, „formează un întreg om“, este îndreptată nu mintea sau inima singur, ci întregului suflet în unitatea abilităților sale, " introduce o persoană în sine și o plasează acolo ca acasă "; mai precis: "face ca punctul transcendental să fie normal".
Astfel, dezvoltarea artei are loc în cadrul schimbărilor dinamice ale întregii culturi. Explicarea regularităților în dinamica culturii artistice este una din sarcinile urgente ale studiilor culturale moderne. Dar, indiferent câți oameni de știință încearcă să înțeleagă arta, va exista întotdeauna un mister în ea care nu poate fi acoperit numai prin metode raționale. Ca o cheie "Kastaliană" neîncetată, ea oferă artiștilor "valuri de inspirație", care ne plac cu imprevizibilitatea lor.
Lista literaturii utilizate.