Arta pop ca o artă de masă
Pop Art (engleză, arta pop, de la arta ropular -. „Arta populara accesibile publicului) - direcția în cultură arta din Europa de Vest și SUA, care se caracterizează prin utilizarea și reinterpretarea imagini ale culturii de masă a apărut în anii '50 în Marea Britanie și SUA și a devenit întrupat. mai întâi în pictură și sculptură. estetica artei pop a avut ca scop estetizare lume obiectivă externe, aprobarea lucrurilor de cult și satisface „dorința de obiectivitate“, care a apărut după lunga domnie a artei abstracte.
În general, doslidniki1 cred că particula „pop“ mai întâi a fost folosit ca un jargon cuvânt artiști din cercurile apropiate de beatnicii, și a însemnat ceva, proiectat pentru un gust larg al publicului larg. Dar, în a doua jumătate a anilor '50 începe să folosească termenul de „arta pop“, ca definiție a noului fenomen al culturii artistice. În 1957, dl z. Hamilton îi dă una dintre primele definiții. El susține că este arta de a „populare, concepute pentru o audiență de masă, efemere, schimbătoare, arta, ușor de aplicat și la fel de ușor de uitat arta ieftine, tinere, spiritual, sexy, truc“ și, în cele din urmă, una care „miroase a marilor afaceri “.
Tinerețe sale de arta pop a ajuns la 60 de ani. Multi au privit ca antiteza de artă abstractă, mulți critici considerate arta pop ca fiind „non-art“. Acesta a fost adevărul - pentru că arta pop, și a căutat să nu fie artă în sensul tradițional. El a fost în căutarea unui echilibru între artă și viață, sau mai degrabă, am încercat să combine arta si viata. Claus Oldenburg a spus că arta pop - o artă care nu știe că este o artă. Pentru arta pop a fost caracterizat prin apeluri pentru „extinderea situației artei“, pentru a extinde conceptul de artă. Toate pot fi considerate ca arta, suficient doar pentru a apela un anumit fapt sau obiect de „arta“. Cuvântul „artă“ ar putea apărea pe orice subiect și să-l definesc ca un artefact.
În cele din urmă, arta pop are un drept, dacă vom trece de la „artificialitatea“ reală a culturii umane în comparație cu natura. Nu este o coincidență faptul că unul dintre teoreticienii artei pop oferite pentru a trata toate societatea umană într-un anumit timp de trecere a unei opere de artă.
Arta pop este ușor înclinată spre parodie, ironie. Artistul de multe ori a oferit publicului un fel de joc, „de acord“. Artistul a dat publicul să înțeleagă că prezența suspecților în om, care a redus de zi cu zi, de rutină, ceva să râdă. Dar, așa cum lucruri și imagini de artă pop nu sunt personalizate, anonime, privitorul, la rândul său, a pretins ca insinuare nu este în afara de ea, și, împreună cu ea;
Iconografia pop-art-specifice, include portrete de personaje pop cântăreață Elvis Presley, presedintele Dzhona Kennedi, actrita Meryl alte Monroe si multe alte locuri ale figurilor culturale ale secolului XX. „Reproduceri“ de picturi de Leonardo da Vinci, Delacroix, Monet, Renoir si Picasso, ansambluri naturale de mobilier, decorațiuni de băi, mașini de scris, plicuri, coperte de carte, aparate electrice, becuri, întrerupătoare, hol, birouri, sali de cinema, lucruri pictor, scrisori și cuvinte (așa-numita „letrizm„), cutii de conserve și sticle, încălțăminte și îmbrăcăminte, baruri echipamente, spitale, magazine, produse alimentare și băuturi alcoolice, țigări și mucuri de tigara, mijloace de transport - autoturisme, nave, avioane. Total nu chiar enumerate. Așa cum și-a exprimat artiști, ei uneori „concentrate într-un singur loc cronologic și topografic aleatoare“. Astfel, produsul poate deveni chiar și o stradă din oraș, în cazul în care este (împreună cu mașini și pietoni) este privit ca un obiect de artă și anunță-l.
Artiști pop art place să folosească la recepție, a fondat Dada: plasarea de obiecte într-o neașteptată și necorespunzătoare locul lor, de mediu și altele asemenea. Subiectul în acest caz este izolat din contextul obișnuit, dobândind caracterul caracter simbol asociat cu mediul urban, cele mai recente tehnologii, realitățile vieții moderne. Și, desigur, devine o sacralitate neașteptată.
Mass-media, standardizarea bunurilor de consum, tehnologie - care este baza viața reală a artei pop. Demonstrarea o mai mare flexibilitate și mobilitate în înțelegerea a ceea ce poate fi arta, „extinderea lumea artei,“ artiști pop distruge ierarhia imaginilor și subiecte, materiale și forme. În acest sistem de valori la același nivel poate fi Leonardo da Vinci și Mikki Maus, artă și tehnologie, artă și gunoi, kitsch-ul și umor.
Pictura tradițională a fost declarat un „banal“. Mulți dintre artiștii Pop Art, în general, a refuzat subînțeles la „condiționat“ pictură și desen pe planul care vine în spațiul real. Dar, uneori, prin pictura tehnici rămân unele tușe minore de vopsea, chiar și pe subiecte - de exemplu, o parte din „asamblaj“ Rauschenberg și „obiecte“ Oldenburg. Oldenburg, de exemplu, pune masa de călcat cu o cămașă și un fier de călcat pe ea, umeraș, pe care atârnă o haină, pantofi și culori simbolice parte acrilici de „exponate“ lor strălucitoare. Vasselman care înconjoară imaginea pictată a unei femei în pielea goală ușa reală de baie pe care atârnă un prosop, o reproducere a Renoir. Mecanizarea procesului creativ conduce la faptul că liderii pop art, de exemplu, de către R. B. Rauschenberg sau Warhol, nu te funcționează, dar cu echipe de asistenți - distribuitori de planurile lor. Ei, în conformitate cu V. Turchin, a abandonat paleta tradiționale și pensula, dar iau un aspersor și mașină autogenă. Rauschenbach șocant sincer public, susținând că perechea de șosete pentru bărbați nu este mai puțin potrivită pentru munca decat uleiul si panza. Englez Devid Hokni a susținut că arta sa este lipsită de atașament pentru a forma, iar acest lucru este - „atuul său“ Nu este o coincidență Bndi Warhol numit atelierul său „Fabrica“ (de fapt, a fost situat într-o fostă clădire de fabrică). Roy Lichtenstein a lucrat cu pete de ecran imprimate, luând în considerare opțiunile lor, ca urmare a unor benzi desenate de acțiune „mașină atrage.“ Warhol care a descoperit tehnica serigrafiere, repetată imagini mecanic separate (de exemplu, Presley sau Monroe), folosind culoarea negativă cu filtre înlocuibile, astfel încât aceeași imagine este variată în culorile albastru, galben, roșu, și altele. Series și variații sunt tipice pentru Vassel Mans în parte. Astfel, cunoscut sub numele „American nud“, numerotate de la 100 de lucrări (toate numerotate).
Caracteristic Pop Art și a fost primit imitație de diferite materiale. Creat sandwich-uri gigant sculptura de trei metri de mare, sub forma unui tub de ruj, o copie de sticle, becuri. Dummies „gătit“ din Oldenburg a făcut din gips carton acoperit cu acrilic. Ioan expuse „bronz colorat“, care a fost o distribuție a materialului tradiționale beri sculptura. Dzhordzh Sigal a arătat mulaje de ghips ale modelelor prin plasarea lor în spațiu real: în magazinele de carne simulate un birou cutie de cinema, în baie. Cu unele dintre figurile sale ar putea sta chiar și la aceeași masă.
Andy (Andrew) Warhol (Warhol) (1928-1987) este considerat în mod tradițional, un artist de frunte (sau artist-fondator) al pop art. El a venit dintr-o familie de imigranți de primă generație, Carpato-rusin ucrainean Andrey și Iulia Vayholiv. Deși Endryu Uorhol sa născut mai mulți ani după ce părinții săi mutat în orașul american Pittsburgh (PA), dar băiatul a fost botezat acolo Biserica Greco-Catolica din Ucraina. În copilărie am fost dureros și așa a petrecut mult timp singur. Mama lui, Julia Vayhola femeie pricepere talentat, capabil să recunoască talentul devreme în fiul său și puternic la încurajat să creativitatea.
Warhol a studiat arta la Carnegie Institute of Technology Pittsburgh. Dupa ce a absolvit în 1949 sa mutat la New York. El lucrează ca ilustrator în edițiile „Glamour“, „Harper Bazaar“ și alte reviste de moda. Deci, începe o carieră strălucitoare a artistului. El a creat un model de pantofi pentru „Miller 1“ nu este doar o senzație, dar, de asemenea, cu condiția prosperitate materială, și în curând a fost capabil să cumpere prima mea casă în New York. Mama lui Andy sa mutat de a trăi și chiar a lucrat cu el. Pentru o lungă perioadă de timp a fost unul dintre asistenții săi lângă Vito dzhiallo revolver și Gluck.
A face un nume pentru el însuși în New York, Warhol și am învățat în același timp, viața culturală a orașului-metropola. El a condus un stil de viață bogat și activ, vizita biblioteca, spectacole de balet și operă, galerii, muzee, iar această experiență mai târziu transformată în lucrarea sa.
În 1956, Endi Uorhol pentru prima dată, a părăsit Statele Unite, merge la o mulțime de călătorie în jurul lumii. El a vizitat Japonia, Cambodgia, India, Egipt și Italia. În cele din urmă, artistul a ajuns la concluzia că ambițiile sale artistice merge dincolo de arta comerciala. Pentru prima dată după mulți ani de formare, Warhol a revenit la pictura de sevalet, face prieteni în mediul artistic din centrul Manhattan-ului, este interesat de forme avangardiste noi pentru mine, în special arte dans, spectacole de teatru și film.
În 1963, Endi Uorhol mutat studioul său într-o nouă clădire - o fostă fabrică. Billy Name, fotograf și artist care a lucrat cu Warhol în anii '60, a pictat clădirea de culoare argintiu metalizat. Aici, Warhol a avut ocazia de a lucra pe pânze de dimensiuni mari. Gerard Malang și alți asistenți să-l ajute în lucrarea sa despre lucrările sculpturale și cinematice. Fiecare dintre marii artiști de avangardă care au venit la New York, în anii '60, au încercat să viziteze „fabrica“ Endi Uorhola. atmosfera de permisivitate, agilitate si creativitate schimbat radical ideea atelierul artistului ca pod liniștit și a creat un sentiment de carnaval permanent, deschis tuturor, plin de experimentare fără sfârșit și evenimente dramatice. libertatea sa inspirat o întreagă generație de artiști.
La recuperarea, Endi Uorhol anumit timp angajat aproape exclusiv ediție a revistei „Interviu“, pe care a fondat în 1969. Prin urmare, a trebuit să conducă un stil de viață publică, laic. Această revistă, care la început a fost numit „Interviu“:.. Un jurnal de știri lunar“, festivalurile de film conținute și interviuri cu vedete de cinema și regizori Warhol încă din tinerețea lui el a fost foarte pasionat de actualități și publicații tabloid, și această nouă pasiune pentru el a fost destul de naturale Mulți, de asemenea, a crezut că recenzie despre lunară a populare evenimente de cultură de masă, cum ar fi un film, el a asigurat-obsesia lui cu Hollywood-ul si faima. de la portrete de vedete de cinema și titluri Warhol a continuat să descrie viața celebrități în jurnalism.
După tentativa de asasinare a lui Warhol prima impresie este că se mișcă departe de pictura și filmul, să ducă o viață socială activă și să se dedice publicării sale preferate. Cu toate acestea, aceste previziuni Warhol a distrus și în anii '70 a creat unele dintre cele mai bune și cele mai renumite picturile sale. În același timp, el a continuat să picteze și portrete la comanda traditionale.
Poate că nici un artist nu trebuie echivalate cu cultura populară în masă într-o asemenea măsură, ca Endi Uorhola. El a fost un artist unic latitudine creativă - nu numai un artist, dar, de asemenea, o trupa de muzica rock antreprenor „Velvet Underground“ și solist său Nico, director de imagine, care a fost înconjurat de Superstars - Ultra Violet, Teylor Mid, Viva și Dzho Dallesandro, editor a numeroase reviste.
Picturi de decese și accidente sunt printre cele mai puternice și afișează uimitoare ale combinației permanente de frică și fascinație că a simțit Warhol în moarte și a prejudiciului. Aceste motive trec prin toate lucrările sale, și există chiar și în portretele operei sale.
Timp de zece ani (1963-1972) Endi Uorhol a lucrat ca cineast. În acest timp, el a luat sute de materiale de film și a creat mai mult de 60 de filme, care au fost mai târziu, în 1972, pentru a elimina de la afișarea publică. Unii ar putea spune că în această perioadă scurtă de timp, el a schimbat pentru totdeauna ideea cinematografiei ca artă.
Vârful filmului minimalist timpurie lucrări Warhol a fost filmul „Empire“. Acesta Warhol cameră video staționară, reîncărcarea doar filmul 8:00 .znimav Empire State Building. Istoria cinematografiei nu au cunoscut încercări în acest mod de a utiliza în timp real, și se extind atât în mod semnificativ durata imaginii la o înțelegere mai profundă a realității. Printre numeroasele filme de Warhol, sunt obișnuite povești narative, și este un portret de studio vizitatori - „fabrica“.
În 1972, când președintele american Richarda Niksona vizită în China a atras atenția la nivel mondial, Warhol întruchipează imaginea liderului chinez Mao Zedong picturi monumentale, gravuri, desene.
Începutul anilor 1980 a marcat pentru Endi Uorhola serie de lucrări în care a folosit imagini de arme, cuțite, cruci și semne dolar interconectate. Această serie, constând din picturi de mari dimensiuni și de dimensiuni mici, du-te dincolo de cercetarea artistică de imagini populare, atenția sa concentrat asupra lor simboluri de obiecte și personaje. În seria „Guns“ și „Cuttere“ Warhol a continuat tradiția naturile sale încă destul de îndrăznețe, cum ar fi „craniu“ și „seceră și ciocan“ (70 de ani). Seria este „Cruce“ și „în dolari Semne“ sunt desemnate caracteristice imagini abstracte ale artistului de-a lungul anilor 1980. Cât de mult mai mult în lucrările lui Warhol, aceste picturi sunt inselator de simplu, și chiar forma provocatoare. Se crede că imaginile lor puternic evocă o frenezie și lipsa de spiritualitate inerente în anumite aspecte ale culturii occidentale moderne.