Academicianul Boris Johansson este cunoscut nu numai ca artist, ci și ca teoretician și profesor al metodei realiste de pictură. Cartea sa "Pentru măiestrie în pictura" din 1952 conține articole, rapoarte și discursuri ale lui Johanson la conferințele științifice ale Academiei de Arte și la reuniunile Uniunii Artistilor. Articolele acoperă perioada 1937-1952.
Având în vedere utilitatea deosebită a acestor articole, am digitizat fragmente deosebit de clare din partea lor. Aici, invit artiștii reali să vă acorde atenție.
Ce înseamnă să devii un realist maestru? Aceasta înseamnă a stăpâni mijloacele artei pictării, astfel încât să respecte pe deplin voința artistului. Voința lui este îndreptată către exprimarea completă a conținutului, spre cel mai viu transfer al imaginilor eroilor operei sale (dacă acesta este un gen), imaginea naturii (dacă este un peisaj) etc.
Desenul, pictura, compoziția sunt doar mijloace de exprimare. Cu cat este mai sofisticat artistul, cu atat este mai indelungat talentul lui, cu atat mai putin - inseamna asta - ii da probleme cand exprima lucrurile principale ...
... nici o tehnică nu dă naștere unei capodopere, iar emoția artistului, fără a se baza pe vreun efect, dă naștere unor mișcări precise care transmit starea sufletului său direct pe pânză. Aceasta este inspirația. Aceasta este inspirația. Pentru unul vine rar, altele adesea. Deci, artistul pianist este precis în mișcările sale până la o sută de secundă.
Cu scrierea directă, repetată din viață, timpul devine maestri. Dar pentru construirea celui mai complex organism al imaginii, pe lângă măiestrie, sunt necesare date esențiale naturale - mai presus de toate, mintea și talentul.
În natură nu există nimic separat. Totul este un întreg și depinde unul de celălalt. Pentru a înțelege această entitate și să identifice relația dintre lucrurile nu este o chestiune simplă, ca unii copisti naivi, care nu aveau nimic de bunăvoință, așa cum au făcut cu nimic pentru a compara, dar ieftin numai natura, imaginarea că poate fi amortizată. Scrierea naturii este imposibilă și, cel mai important, nu este necesară. Trebuie să fie scrisă. Scrieți aceeași natură de care aveți nevoie pentru a putea. A fi capabil să o facă înseamnă a stăpâni un întreg sistem de opinii corecte pe această temă.
Pictura în natură nu este în starea finită, scrisă, este ascunsă. Ar trebui să fie arătat pe panza. Pentru ao identifica pe pânză, trebuie să puteți vedea. Și pentru a putea vedea, este necesar să aruncăm o privire. Toată arta este ținută ușor. Dacă degetul violonistului este un pic greșit, va tăia zvonul. În același mod și cu un colorist subtil. Un ton ușor greșit vă va tăia ochii.
Pentru a transmite o formă vie, pentru a transmite viața și frumusețea, este necesar să fie extrem de precis. În natură, totul este frumos - este urât pe pânză pentru un artist neatins care se uită la ea într-un mod stupid.
Semnul principal al unei abordări profunde a dezvoltării moștenirii este absența imitării externe a maestrului. Ce înseamnă să ne percepem moștenirea și, mai ales, moștenirea stăpânului nostru iubit? Înseamnă să înțeleagă că-l deranjează în natură, astfel cum a motivat în cursul activității sale, în punerea în aplicare a pânzei peste sarcinile pe care el a pus abilitatea naturii așa cum le-a rezolvat aproape ... In acest fel vei fi tu însuți.
În ce imităm maestrul? În atitudinea sa față de arta sa, în serviciul său neegoist față de el, în auto-disciplina fierului, în lupta perseverentă pentru măiestrie.
Fiecare pictor cunoaște procesul de transformare a vopsirii prime din tuburi în tonuri precise, suma cărora caracterizează materialul naturii în spațiu. În cazul în care nu doberosh culori de pigment va belosost, vopsea pereberosh- va fi murdărie prea peremeshaesh-. Deci, între "lipsa" și "forța bruta" există un moment în care "doar". Acesta este prezentul.
În cazul în care expertul are o metodă de pictură adevărată, el în mod constant - uneori dureros, uneori radostno- rapid - dar întotdeauna găsește mereu noi combinații vreodată noi, joc, cele mai bune combinații de tonuri, care îl aduce la natură. Aceasta este sursa adevărului, sursa entuziasmului neîncetat al artistului.
Un artist adevărat este mereu nou. Aceștia erau toți maeștrii mari și mari ai artei. Scrierile lui de mână rămân, rămân tehnicile sale de cunoștințe tehnice, necesare pentru absolutitatea completă a sunetului culorilor. Dar artistul real nu se repetă. Nu-i este frică să se angajeze în vreo călătorie, deoarece are o busolă: "o metodă de pictură", iar înotătorii se întâlnesc de asemenea pe un drum de navigare familiar.
Deci, mă vor întreba, este stăpânirea acestei uitări de sine? În nici un caz. Există o expresie remarcabilă în "calmul inspirat al lui Cehov". El a spus că este cel mai bine scris, când capul lucrează cu un răcnet, în mod clar. Adică, această stare este opusul "isteriei incontinenței", "isteriei de rușine" a cuvintelor și soluțiilor găsite anterior.
Dacă repetați fără sfârșit ceea ce ați găsit, atunci, desigur, puteți stăpâni cu pricepere abilitățile de a vă picta mâinile, ceea ce se numește "maestru", ca un jongler în circ. Mi se pare că un virtuoz care are o mână la îndemână simte aceeași satisfacție ca un magician. Este posibil ca un astfel de "maestru" să ajungă la o viteză record de scriere datorită periei virtuosice de fluierat. Obținând "ușurința unei perii neobișnuite" și provocând "ahs" rapide de cei din jurul lui, el poate simți satisfacție plină de bucurie. Dar abia se poate numi stăpân când artistul a murit în el.
Desigur, rădăcina răului se află într-un desen slab. Este necesar să fie de acord în prealabil că trebuie să determinăm starea școlii de către grupul mediu de elevi. De obicei, acest lucru nu este făcut. Câțiva oameni talentați sunt proeminenți, pe care natura le-a înzestrat generos cu abilități. Ar trebui să judecăm după grupul mediu. Este o măsură a nivelului general al școlii, corectitudinea metodei, abilitatea profesorilor.
Dacă cifra poate fi atribuită cunoașterii anatomiei, legile formei, dacă compoziția poate fi atribuită logicii gândirii, atunci pictura poate fi mai mult atribuită domeniului percepției senzoriale. Dar asta, desigur, nu înseamnă că nu există legi în ea. Ele sunt și foarte inexorabile. Legea fundamentală a structurii formei prin mijloace imaginare este răceala la căldură, adică lupta continuă a două principii - calde și reci, curgându-se una în alta într-o luptă contrastantă, greu de remarcat. Desigur, acest lucru se referă la talentul special al ochiului artistului, capabil să perceapă subtil nuanțele de culoare
Culoarea numai atunci poate fi numită o culoare atunci când trece în material, când nu este percepută ca o vopsea, ci transformată în mod magic într-un material, luându-și locul în armonie întregului.
Compoziția este o logică de fier care derivă din esența ideii imaginii. Cerința de bază pentru aceasta este o expresie medie a necesarului; nimic inutil, doar necesar. Michelangelo Figurat pus în felul acesta: „Sculptura este de a fi rigiditate, astfel compozițional că, dacă-l arunci, atunci toate rupe - prea mult să rămână substanțiale.“
Imaginea realistă nu tolerează nici un loc care nu vorbește despre conținut, nu a dezvăluit-o. Toate frumusețile seducătoare trebuie să fie sacrificate, dacă sunt vorbărete de prisos, indiferent cât de frumoase sunt ei înșiși.
Toate tonurile întunecate, comparativ cu cele întunecate, își trag diferența în diafragmă și umbra de culoare pe pânză. Comparați toate umbrele înrudite cu umbre închise, lumină cu lumini, semitone cu semidențe. Comparând acordurile cu coarde, vei scoate muzica picturii, cu siguranță, plină de viață, adevărată și frumoasă. Când totul cade și devine în locul ei, va exista artă, totul se va sprijini unul pe celălalt, se va agita unul pe celălalt. Așa cum polii negativi și pozitivi ai energiei electrice dau un curent - tonuri atât de corect decise de natură care formează cu precizie o formă vie, se aprind unul pe altul în conformitate cu legile picturii.
Atunci când un artist pictează o figură pe pânză, ceea ce va atrage atenția privitorului, este necesar să o realizăm atât de perfect încât nimic din el nu este falsificat. Este la fel de dificil și responsabil ca un artist să conducă un monolog.
Pictura nu este numai o sursă de inspirație, ci și un calcul profesional. Un artist experimentat, precum și un călăreț cu experiență pe fugă, doar până la finisaj începe cu viteza maximă a lui Pegasus. Ignorarea proceselor tehnologice de realizare a studiului a condus la rezultate triste. Dacă studentul nu se obișnuiește cu sistemul de implementare din clasele universitare, totul va rămâne ca și până acum.
Bazându-se pe cartea lui Boris N. Ioganson "Pentru măiestrie în pictura" în 1952 Moscova. Circulația a 15 000 exemplare.
Dragi utilizatori
VĂ RUGĂM, SPECIFICAȚI LINKUL SURSĂTORULUI!
@ foto: Raul Skrylev Conversație cu Alexandra Danilova, curator al expoziției, șef adjunct al departamentului de artă din secolele XIX-XX. În ultimele trei decenii, arta lui Tsai Guoqiang -.
Marina Zvyagintseva, este cunoscută pentru proiectele de public de masă din genul artei publice, care vizează estetisarea spațiului urban al zonelor de dormit. Artistul a lucrat în mod tradițional cu o încercare de hack.
Ceremonia de deschidere a celui de-al 10-lea an al Premiului Kandinsky a avut loc la Cinema Udarnik. Shalva Breus, fondatorul Fundației Culturale Internaționale BREUS, care 10 ani mai târziu rezultatele ofertei.
Premiul înalt al Premiului UNESCO, Dmitri Borisovici Ryabichev a dat complet statului. Ca semn de recunoștință, guvernul care a apreciat actul nobil și talentul sculptorului sovietic la dat lui Dmitri.