1. Actor ca sursă și vârf al artei teatrale
2. Creativitatea actorului, ca întrupare a ideii regizorului în piesă
3. Actor, ca purtător al specificului artei teatrale
Lista literaturii utilizate
1. Actor ca sursă și vârf al artei teatrale
Actorul este în același timp începutul, sursa artei teatrale, iar vârful ei, rezultatul final. Formele teatrale timpurii, ritual și ceremonial (pratheater) au părăsit actorul cu spectatorul "unul câte unul", arta sa individuală putea fi sprijinită doar de un costum sau o mască. Toate celelalte mijloace de exprimare artistică și profesii teatrale (dramaturgie, artă decorativă, lumină, direcție etc.) s-au născut și s-au format mai târziu. Formarea lor a condiționat evoluția istorică a competențelor de actorie, aspirația de a dezvălui cât mai mult posibil individualitatea actorului, de a-și susține și de a-și completa influența asupra spectatorului.
Cu toate acestea, astăzi, cu mari posibilități de teatru și varietate de mijloacele sale de expresie artistică, în timpul unui spectacol al actorului este încă vine să direcționeze contactul cu publicul, care au încorporat în timpul perioadei de repetiție de pregătire a juca toate experiența și capacitățile legate de profesiile de teatru. Nu contează cât de mare a fost contribuția regizorului, artist, compozitor, coregraf, dirijor, iar celălalt în crearea de performanță, la sfârșitul succesul ei depinde în primul rând de actorul, care conduce și ghida ideile grupului de producție. Un nivel ridicat de acțiune poate înmulți și multiplica designul creativ al performanței; nivel scăzut, neprofesional - pentru a distruge cea mai genială decizie de producție.
De fapt, aceasta este dualitatea profesiei actorului, ceea ce provoacă dificultăți psihologice considerabile. Pe de o parte, această profesie este foarte dependentă de mai mulți factori (de posibilitățile inerente în materialul rol dramaturg și capacitatea regizorului de a lucra cu actorul de lucru în echipă ateliere de teatru tehnice în timpul spectacolului și starea de spirit publicul); pe de altă parte - în actor se încheie chintesența întregii arte teatrale. Nu pentru nimic în întreaga istorie a teatrului, gloria unui singur dramaturg, regizor, coregraf, cel mai popular, etc. Nu poate fi comparat cu gradul de popularitate al actorilor de „stele“: ei sunt adevărații maeștri de audiență doom, întruchipând și simbolizând teatru.
Definind în termeni generali principiul de bază al acțiunii, putem spune că acesta este principiul reîncarnării, atunci când actorul se personifică cu caracterul său, vorbește și acționează în numele său.
Dar, trăind pe scena sincer și profund viața imaginii sale, actorul nu trebuie să se dizolve complet pentru o clipă în imagine, să se piardă. Nu este fuziunea sau identificarea actorului cu imaginea care este legea acționării, ci unitatea lor dialectică, presupunând prezența a două opuse opuse - actorul-creator și actorul-imagine. Când actorul trăiește pe scenă, cu sentimentele rolului său puternic, pasionat și profund, emoțiile, entuziasmul, infectarea și plăcerea spectatorului, oferă în același timp o plăcere extraordinară actorului însuși. Astfel, el poate experimenta simultan două sentimente: ca imagine - suferință, și ca actor care joacă un rol - bucurie creativă. Cu cât suferă mai mult ca o imagine, cu atât bucuria este mai strălucitoare, iar această bucurie, fiind legată de creșterile generale ale creșterii întregului organism, întărește emoția scenică a suferinței. Deci, viața interioară a actorului ca creator și viața sa interioară ca imagine se află într-o stare de interacțiune și interpenetare. În analiza finală, ei formează o unitate. Cu toate acestea, opusul principal al acestei unități este procesul creativ care nu se estompează și continuă, creativul activ "Eu" al actorului. Deci, în cele din urmă nu există două "eu". Există un singur "eu" al personalității complete a actorului, în minte, în psihicul în care există simultan două procese care interacționează. Actorul-creator în procesul de a juca în mod continuu își asumă diverse sarcini.
Cu toate acestea, actorul poate îndeplini aceste sarcini numai dacă trăiește în același timp ca o imagine și, prin urmare, gândește în gândurile imaginii. Dar actorul conduce în mod continuu procesul gândirii sale, astfel încât el se dezvoltă exact în direcția în care este necesar pentru imagine. Cu toate acestea, există o întrebare practică foarte importantă: în ce direcție în principal, ar trebui să fie trimis un efort conștient de actor, - dacă el ar trebui să vă faceți griji în primul rând despre cum să vă păstrați pe scenă ca actor-creator, sau toată grija lui, toate eforturile sale ar trebui să vizeze crearea de sentimente de un rol și fuzionarea cu imaginea? Nu există nici o îndoială că toate eforturile conștiente ale actorului ar trebui să aibă ca scop fuziunea cu imaginea. Stanislavsky avea dreptate profundă, cerând ca actorul, trăind cu pasiune, să uite că este un actor și că este în fața spectatorului. Desigur, până la sfârșitul de a uita despre acest actor încă nu poate, indiferent de modul în care el ar realiza acest lucru. El are întotdeauna tendința de a-și aminti mult mai mult decât ar trebui. În nouăzeci și nouă de cazuri din o sută de pericolul care amenință actorul, nu este că el este în pericol mai mult decât ai nevoie, intră în viața unei imagini create și uita ce este pe scena. În cea mai mare parte, el este în pericol de a "eșua" în acest sens și, astfel, alunecă în calea unei ștampile vulgare externe. Nu merită să ne salvăm ca actor în inviolabilitatea lui însuși. Este extrem de dificil să devii o imagine. Faptul că actorul trăiește pe scenă ca actor, se întâmplă de la sine și nu necesită un efort deosebit din partea actorului, ci pentru a trăi în imagine, necesită o îngrijire specială. Prin urmare, toate eforturile conștiente ale actorului ar trebui direcționate către această a doua sarcină. Este de remarcat în acest caz că aktivnotvorcheskoe „eu“ actor absolut nimic de pierdut din faptul că actorul cu cea mai mare plinătatea vieții pe scena ca o imagine. Dimpotrivă, aceasta beneficiază numai de acest lucru. Cu cât este mai intensă ca actorul să trăiască ca o imagine, cu atât mai activ, cu atât mai mult actor-creator, actor-gânditor începe să acționeze mai activ. Dimpotrivă, prejudiciul suferit de actor ca imagine este de asemenea extrem de nefavorabil pentru actorul-creator. Acordând o atenție specială conservării creatorului, actorul distruge imaginea și distruge astfel creatorul. Dacă el este în cele din urmă în imagine, el, realizând acest lucru, duce la o stare activă a lui însuși ca creator și ca stăpân.
Cu toate acestea, tehnicile care acționează pe baza acestui principiu general pot să difere radical una de cealaltă. Deci, este obișnuit să se facă distincția între reîncarnarea externă și cea internă. Transformarea internă sau externă poate fi exprimată în termeni de dispozitive tehnice formale - și machiaj costum (de exemplu, portret complicat machiaj M.Shtrauha Lenin câteva spectacole și filme - transformare externă, absența obligatorie aplicatorului nas S. Shakurov ca Cyrano Bergerac - reîncarnarea interiorului). Sau: aceeași reîncarnare internă sau externă se poate baza pe adaptările actorilor psiho-emoționali - așa-numita "școală de reprezentare" și "școală de experiență". În primul caz, rolul este construit de actor, în principal, pe luminile teatrale luminoase, de multe ori - în farse; în cel de-al doilea - la recepții de probabilitate de viață, fiabilitate. Cu toate acestea, conceptele reîncarnării externe și interne pot fi împărțite relativ.
artă teatrală foarte condiționată în natură, și chiar și după complet bine-cunoscut principiul „patrulea perete“ (se presupune că separă scena din sala de spectacole), actor în opera sa interacționează în mod flexibil cu reacțiile publicului, pe de o parte - de adaptare la aceste reacții și pe de altă parte mana - gestionarea acestora. De fapt, privitorul se simte o mare convenție fundamentală a artei de teatru: chiar empatiza complet eroi, el nu confunda actorul cu caracterul și realitatea scenică - cu viața. Excepțiile nu pot fi observate decât în teatrul copiilor, când spectatorii tineri simpli nu pot țipa până la capăt, avertizând caracterul pericolului care îl amenință.
Instrumentele actorului sunt datele sale psihofizice: corpul; din plastic; abilitățile motorii; date vocale (dictionare, ligamente, aparate de respiratie); ureche muzicală; sentiment de ritm; afectivitate; observare; memorie; imaginație; erudiție; rata de reacție, etc. În consecință, fiecare dintre aceste calități necesită dezvoltare și formare constantă - numai aceasta permite actorului să fie în formă de lucru. Ca actor de balet, trebuie să începeți în fiecare zi cu un ciclu de exerciții la mașină, operă - cu vocal și cântând, actor atât de dramatic, exerciții esențiale de zi cu zi, cu discurs scenic și mișcare sunt esențiale.
2. Creativitatea actorului, ca întrupare a ideii regizorului în piesă
Arta regizorală constă în organizarea creativă a tuturor elementelor piesei pentru a crea o lucrare artistică unică, armonios integrală. Directorul atinge acest obiectiv pe baza intenției sale creative și realizează managementul activității creative a tuturor celor care participă la lucrările colective pe scenariul întruchipării piesei.
Crearea condițiilor pentru dezvoltarea unui actor în orice mod este cea mai importantă sarcină cu care se confruntă regizorul. Acest regizor este pentru actor nu numai un profesor de teatru, ci și un profesor de viață. Este un gânditor și o figură publică. El este purtătorul de cuvânt, inspirator și educator al colectivului cu care lucrează. Acesta este modul în care KS a venit la profesia sa. Stanislavsky, Vl. I. Nemirovich-Danchenko, E.B. Vakhtangov. Ajutarea actorii pentru a găsi răspunsurile corecte la toate preocupările la întrebările lor creative, desen obiectivele ideologice ale performanței și mobilizând în jurul acestor obiective gânduri, sentimente și aspirații creative ale întregii echipe, un regizor adevărat devine în mod inevitabil, educatorul său ideologic. Natura fiecărei repetiții, direcția și succesul ei depind în mare măsură de regizor. Directorul ar trebui să folosească toate metodele și metodele pentru a trezi natura organică a actorului pentru creativitate completă, profundă și independentă.
3. Actor, ca purtător al specificului artei teatrale
Specificitatea teatrului constă în faptul că opera artei teatrale este un spectacol creat nu de un artist, ca în cele mai multe arte, ci de mulți participanți la procesul creativ.
Creativitatea fiecărui artist care participă la crearea piesei, nu este altceva decât o expresie a aspirațiilor ideologice și artistice ale comunității în ansamblu. Fără un unificat obiective, ideologic unite, entuziaști generale ale reclamei colective nu poate fi o performanță cu drepturi depline. Creativitatea teatrală completă presupune echipa care are ideologie comună, aspirații ideologice și artistice comune, comune tuturor membrilor săi o metodă creativă și subordonată cea mai strictă disciplină. „Creativitate colectivă - Stanislavski a scris - care se bazează pe arta noastră, necesită în mod necesar un ansamblu, iar cei care încalcă aceasta comite o crimă nu numai împotriva camarazii săi, ci și împotriva artei în sine, ele servesc“ .
În cea mai strânsă legătură cu principiul colectiv în arta teatrală există o altă caracteristică specifică a teatrului: natura sa sintetică. Teatrul este o sinteză a multor arte care interacționează între ele. Printre acestea se numără literatura, pictura, arhitectura, muzica, arta vocală, arta dansului etc. Printre aceste arte se numără numai teatrul. Aceasta este arta actorului. Actorul este inseparabil de teatru, iar teatrul este inseparabil de actor. De aceea putem spune că actorul este purtătorul specificului teatrului. Sinteza artelor din teatru - combinația lor organică în piesă - este posibilă numai dacă fiecare dintre aceste arte vor îndeplini o anumită funcție teatrală. Atunci când realizează această funcție teatrală, opera oricărei arte dobândește o nouă calitate teatrală pentru ea. Pictura teatrală nu este aceeași cu pictura, muzica teatrală nu este aceeași cu muzica, etc. Numai acționarea este de natură teatrală. Bineînțeles, semnificația piesei pentru piesă este incomensurabilă cu valoarea peisajului. Decorul este conceput pentru a îndeplini un rol de sprijin, în timp ce piesa este baza ideologică și artistică a viitoarelor spectacole. Și totuși, piesa nu este la fel ca o poezie sau o poveste, chiar dacă este scrisă sub forma unui dialog.
Etapa de artă, ca toate celelalte arte, provoacă două părți: artistic (talent) și științific (cunoașterea legilor artei). Vorbind despre un actor-artist, este imposibil să se separe aceste două laturi: una își completează cealaltă. Nu contează cât de mare talent natural, fără ajutorul științei, el nu va da rezultate satisfăcătoare, deoarece bazându-se pe puterea inspirației intermediare inconștientă, va fi lipsit de puterea corespunzătoare - a conștiinței, o condiție necesară a tuturor măiestria adevărate. Dimpotrivă, indiferent cât de gravă și o mare etapă de studiu de afaceri, fără a animând forța de talent poetic, se va produce o copiere abil, inteligent, nu creativitatea. Etapa de talent este o abilitate umană de a reproduce cu adevărat, poetic și original viața reală. Această abilitate înnăscută a determinat primatul actorului în arta teatrală.
Lista literaturii utilizate
3. Popov AD Integritatea artistică a piesei, M. 1959, p. 207