Arta a fost întotdeauna un loc de muncă murdară, iar artiștii purtau haine de lucru. De-a lungul timpului, este funcțional sunt din ce în ce în ce simbolic. Cu cât este mai radicală arta a devenit, cu atât mai mult a vrut să se întâlnească creatorii operelor lor. Moderniști echivalate șocant pe pânză și în comportamentul, avangarda au fost gata pentru a redesena planuri pentru o lume nouă, dar mai întâi - un costum. Astăzi este clar pentru toată lumea că lucrările pe drum - este, de asemenea, un proiect de artă. „ArtChronika“ a dat seama cum umerase istorice a eliminat cele mai populare imagini și că este acum la modă în această formă de artă.
De la mustățile la chiloti
Ideea că artiștii nu arata ca oamenii obișnuiți, înapoi la mijlocul secolului al XIX-lea. Apărut în Franța, cuvântul „boem“, literal „muzică țigănească“ a intrat în uz, înainte de apariția impresionismului, care a fost primul tendințe moderniste. Dar a fost modernismul, de fapt, a ordonat artistul la extravaganta si creativitate, stilul de viață, făcându-l ca overthrower mod convențional, și noul legiuitor.
VEST FULAR Gauguin si Modigliani
Costume Extravagante de Paul Gauguin, întorcându-se în Tahiti în 1893 a șocat publicul parizian un luminos albastru straturi rochiță cu butoane perla si vesta turcoaz cu broderii colorate, a provocat doar bătaie de joc. Dar pălării cu boruri largi, eșarfe lungi, jachete de catifea și bluze cu eșarfe Amedeo Modigliani a devenit un fel de canon de moda boem romantic. Și chiar și obiceiul său de dezbrăcare în public, se poate spune, a creat adepții săi. Cu toate acestea, în anii 1960, atunci când trase pe scena ca un gest încercat contra-curent, de exemplu, Jim Morrison, artiștii stil romantic în spiritul boem Montparnasse a trecut mult timp de moda. Noua generație de artiști, cum ar fi cel mai puțin conforme cu noțiuni populare, și modul în care ar trebui să fie artă, și cum ar trebui să arate ca un pictor.
sprâncene UGLI Dali și Frida
Spre deosebire de boem modernist avangardă nu se bazează pe inspirația necontrolată. Ei construiesc propriile abilități intelectuale și teoria creativității și nu a încercat să arate ca ceva deosebit de artistic. Chiar și fotografii ale unor astfel de maestri de comportament avangardist cum futuriștii, dadaiști și suprarealiștii, arată o serioasă cu aspect bărbați tineri în costume obișnuite ale timpului. faimoasa mustata lui Salvador Dali, pentru multi este aproape o emblema a suprarealismului, de avangardă, dacă nu toate, au fost, desigur, provocarea este nu numai burghezia, ci și alți artiști. Moustache cei care și-au găsit forma lor canonică în 1940, când Daly nu mai este nevoie de sprijinul colegilor din grupul suprarealistă și a crezut că el este suprarealism, a fost la fel sfidătoare anacronic ca brushwork lui meticulos buna. În cazul în care pictura Dali sa declarat un adept al Vermeer, stilul de mustață, el pare a fi împrumutată de la un alt clasice sale preferate - Velasquez.
Dar, în ciuda referințelor declarative la maeștrii trecutului, în modul de abordare a imaginii Dali cu mult înaintea multora dintre contemporanii săi, creând una dintre imaginile cele mai cunoscute ale artistului. Moustache nu este limitat. Dali, unul dintre primii care a reușit să devină un adevărat stele mass-media, a dezvoltat o strategie de ansamblu pentru a crea un mit personal. În cursul a mers all - de la Aardvark, care Dali se plimba în lesă pe străzile din Paris, în fața a numeroase aparate de fotografiat, înainte de achiziționarea castelului medieval Púbol, pe care a prezentat Gale, și, împreună cu titlul de marchiz de Púbol, l-a acordat în 1982 de către regele Spaniei, din titlu, în mod surprinzător potrivit pentru mustății barocă.
Femeile care au fost participanți activi în procesul artistic, din nou, în epoca modernismului, a fost, probabil, chiar mai dificil de a crea o imagine convingătoare, fără a face concesii în acest mod banal. În cazul celebrului Frida Kahlo este imposibil de a spune ceea ce este cunoscut cea mai mare parte - munca ei, aspectul ei sau biografia ei, cu atât mai mult că artistul a creat cea mai mare parte de auto-portrete, precum și în scris a devenit nu mai puțin iconic decât pictura ei, „Jurnal“. În termeni moderni, Frida Kahlo a fost propriul său proiect - și sinofris ei, decorat cu flori impletituri, costume etnice mexicane exotice și ornamente aztec jucat în nu mai puțin important decât convingerile sale comuniste și patriotism, căsătoria cu Rivera și o aventură cu Troțki, bisexualitate și boala. Chiar și un prejudiciu lui Frida a fost capabil să se transforme într-un atribut de stil - un corset ortopedică pe care ea a purtat pe picturi și fotografii ei se transformă într-un fel de piese fetiș și toaletă extravagante. Rezistând la un mod radical, Kahlo a fost capabil să devină pictograma sa: unul dintre spectacolele de modele de moda Jean Paul Gaultier a defilat cu sinofris pictate à la Frida.
PANTOFI Pollock, Warhol Wig și Hat Boise
În a doua jumătate a secolului al XX-lea, când mediality a început să joace un rol tot mai important, inclusiv în artele, într-un fel de emblemă a stilului și să devină departe de artiști dandyism. Dzhekson Pollok, în timpul vieții sale, în 1949, numit cel mai mare artist America a devenit literalmente o parte din propria sa arta prin inventat sa „action painting“, o tehnica inovatoare de a crea picturi, care sa transformat într-o etapă de tranziție pe drumul spre arta de performanță. Fotografiile om slab chel îmbrăcat în blugi negri, care vin în vogă cincisprezece ani mai târziu, spray vopsea pe panza, celebru nu mai puțin, decât pe web. În 1951, Hans a luat namutili Pollock în documentar. cizme brute vopsea, care împroșcat artistul pune în fața unei sesiuni de pictură, apar în primul cadru. Am ghicit aici referindu-se la seria bine-cunoscute picturi Van Goga descriu pantofi vechi. pantofi Pollock a susținut rolul ca un simbol universal al noii arte.
În cartea „Popizm“ Warhol amintește cât de atenție și menținut imaginea sa ca expresionism abstract, machismul cultivat și răcoarea. Warhol, el a arătat cu siguranță complet diferit stil decomandat manierată de comportament. Și un aspect cu totul nou. Perucile că Andy purtat la sfârșitul anului 1960, au fost o parte esențială a imaginii, precum și un fel de camuflaj. Glory, așa cum este cunoscut, a fost una dintre principalele teme ale Warhol, dar poate nu atât de mult un gol ca un subiect de studiu. La înălțimea de faima, el, dimpotrivă, sa bucurat de posibilitatea de a fi incognito și a trimis în locul lui la petrecerea de camere duble, peruca buna si ochelari oricine ar putea oferi cele cincisprezece minute de faima Warhol. Warhol a fost unul dintre primii să înțeleagă că să fie îmbrăcat în mod corespunzător nu este de ajuns - trebuie să fie îmbrăcat. Și schimbare, și-a petrecut aproape toată viața: foarte puțini oameni l-au văzut fără perucă.
Locul său de drept lângă pălăria peruca Warhol ia principalul său rival și antagonist al Yozefa Boysa. fedora lui etern Boyce a purtat aproape ca un stigmat: se crede că sub el a ascuns cicatricile produse în timpul al doilea război mondial, când avionul său a fost doborât în Crimeea. Felt, miere și grăsime, cu care pilotul german -> Exit tătari a devenit fundamental la mitul său personal și principalele materiale ale artei sale. Beuys pălăria nu este doar o pălărie, dar unele mitologie individuale, ea a simțit - în esență, aceeași pâslă. Undeva la mijlocul anilor 1960, Beuys a început să poarte o vestă cu o mulțime de buzunare și cizme înalte de armată. Acest costum este confecționat Beuys ca aventurier Indiana Jones. Boyce aspect, împreună cu istoria sa și este, de fapt, produsul principal. Nu este întâmplător artistul american Elaine Sturtevant, angajat ca conceptuală replici de fabricație proiect de manual de lucrări de artă contemporană referindu-se la Boise, nu a copiat instalarea sa, ci pur și simplu fotografiat în costum și pălărie, reproducând una dintre cele mai faimoase imagini sale.
COSTUM Koons și Orlan COARNE
Până la sfârșitul anilor 1960, în perioada de glorie a noilor Bohemians, care arăta ca un artist, a fost în mod clar mai mult decât acești artiști. Mai radical părea a apărut pe scena de artă în 1969, britanic Gilbert și George, se impune tot felul de expoziții ca „sculpturi vii“. Ei nu numai că nu au făcut nimic special, dar sa uitat în sus scandal nu artistice: ce artiști inovatori, dar adevărați, în timp ce în măsură să se îmbrace în costume gri și grefieri care poartă părul scurt slicked.
Următoarea generație de artiști la propria sa apariție sunt, probabil, mai rezervat. Dzheff Kuns apare în public într-un costum negru guvern și cămașă albă. Ternerovskoy Laureat Premiul, British Grayson Perry, pe propriile lor expoziții apare ca un travestit Claire, și alte evenimente, cum ar fi deschiderea friza, vine în masca de documente private, unui om. Aparent, ambele urmeze nu numai propriile lor dorințe și gusturi, dar, de asemenea, la regulile stricte ale strategiei de artă elaborate de acestea. Ca astfel de strategii artistice pot fi selectate și modnichane ca atare, nu sunt asociate cu crearea unei arte. Deci, există, de exemplu, Eva și Adele, crearea de rase pe cap uimitoare în haine papusa roz - acestea sunt confundate cu un travestit, cu toate că ele sunt un cuplu heterosexual. Aceste personalități de artă din Germania pare a face unele obiecte și fotografii, dar este clar că proiectul lor principal - un puncte de vânzare seculare. „Unde suntem - Muzeul“ - ei pretind. Într-adevăr, trebuie cel puțin pe cineva să ia probleme să se pregătească pentru zi de deschidere: face un makeover complet să stea pe tocuri și să se îmbrace în ceva bleskuchee, freamăt și în general teribil inconfortabil.
Previous Post Jean-Marc Bustamante: "Prin artă, mă simt ca un francez" Next post perestroika haute couture