Acest lucru se datorează faptului că a fost adus la punctul de absurditate scopul principal al artei clasice - cartografierea precisă a jur. Pisoar a devenit partea de sus a realismului, pentru că nu există nici o copie a pitoresc nu a putut arăta subiectul mai bine decât el însuși a făcut. Aducerea „Fântâna“ la expoziție, Duchamp, de asemenea, încurajați să gândească, ceea ce face ca arta de artă, și a oferit răspunsul lui: Este totul în semnătura artistului și contextul muzeului. Deschiderea acestui model, francezul a abolit în același timp necesitatea de a crea o lucrare a artistului - deoarece acestea pot declara orice artă, ceea ce doresc, iar produsul ar fi atunci un act de voință de creație.
ideile lui Duchamp a evoluat în conceptualismul care a apărut în Statele Unite în anii 1960. Baza lui era poziția că cel mai important lucru în artă - nu este un obiect, ci o idee. Obiectul de artă, în același timp, a admis pentru a căuta un răspuns la întrebarea „ce este arta“ și estetica dispare în fundal și să fie retrogradată la proiectarea: Conceptual a fost important pentru privitorul să perceapă produsul este în primul rând intelectual.
S-ar putea arata ca arta conceptuală
(Și de ce):
1. Toate urât (sensul artei - să răspundă la întrebarea, ce este arta și să nu fie estetic)
3. Se pare că nu este nimic aici (una dintre principalele concepte - goliciune)
4. Lucrarea este alcătuită în întregime din text (artiști sunt pasionați de jocuri de limbaj)
5. Nu este clar modul în care acest lucru este dovedit (arta incluse în contexte nefamiliare).
Mai degrabă decât a face o imagine frumos în căutarea sau skulputry, conceptual crea noi înțelesuri. Ei au făcut, inclusiv în activitatea de facilitățile deja existente și re-interpretare sensul lor.
munca Textbook de acest gen a fost „desen șters de Kooning“, care Robert Rauschenberg expus în 1953. Lucrarea principală nu a fost o foaie albă rămasă după distrugerea unuia alt artist grafic, iar situația de incertitudine: publicul a trebuit să decidă dacă imaginea neclară pentru a fi arta. În general, pe conceptualismul în public are o mare responsabilitate: artiștii nu se mai explică sensul operei sale, și a spus că acestea sunt deschise interpretării și orice hotărâre poate fi corectă.
„A fi artist înseamnă a pune la îndoială natura artei“ -
El a spus unul din Conceptualistul principal Dzhozef Koshut.
„Îmi place să creeze noi înțelesuri. Ele apar la intersecția a două entități bine-cunoscute - cum ar fi două cuvinte, două imagini, sau cuvântul și imaginea. cele două părți sunt atât de aproape doriți să hartă, pentru a forma o aparență de sinapsă - atunci vine ceva nou. Desigur, este posibil să aveți un monstru de Dr. Frankenstein, dar, uneori, există un al treilea sens. Acest proces ma surprinde „, - a spus artistul John Baldessari.
Kontsepualizm provenit de la
sentiment de contradicție. Conceptualistul nu-i place:
1. expresionismul abstract, ai cărei membri au crezut că lucrul cel mai important în artă - este „pentru că a fost frumos.“
2. Piața de artă. Pentru a depăși atitudinea față de artă ca o marfă, au refuzat să creeze obișnuite lucrări estetice.
Critica 3. Arta în general și purtător de cuvânt său Clement Greenberg, în special. În timp ce în Statele Unite, că o astfel de artă nu este determinată de semnătura artistului, dar opinia criticii de artă, care a fost de multe ori foarte conservatoare.
Una dintre ideile-cheie ale conceptuale a fost Zen „goliciune“. Activitatea sa principală a fost imnul compozitor Dzhona Keydzha „04:33“ - patru minute și jumătate de tăcere, a dat un concert. ideile lui Cage a influențat mulți dintre contemporanii săi: italian Piero Manzoni după expus „suflarea artistului“, în baloane, și liderul de la Moscova Conceptualistul (mai multe despre ei, am scris aici) Ilya Kabakov a făcut „Albume“, cu povesti de personaje ale căror povești se încheie în mod necesar cu alb „nimic „-list.
Al doilea nivel noțional de muncă - independența formelor înțelesul și vizuale: chiar dacă el a înlocuit o piesă de mobilier, o fotografie și locul de spectacol, esența produsului rămâne aceeași.
„Unul și Trei Scaune“ Dzhozefa Koshuta
Bryus Nauman, de asemenea, a lucrat cu neon. Lucrările sale ironice «Nici unul Sing Neon Sign» sau «Run de la Fear / Fun din spate» sublinia relația dintre sensul cuvântului, sunetul și aspectul său.
O altă lucrare cu contextul a fost performanța Mate Loreta la televiziunea franceză. De ceva timp înainte de participarea la spectacol joc Lloret trimis invitații la prieteni pentru a vedea spectacolul. Atunci când gazda aer l-au întrebat ce face, Mathieu a declarat că „artist multimedia“, și, astfel, a transformat ceea ce se întâmplă în realitate orchestrat, și întregul program - o operă de artă.
La câțiva ani după victoria Premiul Turner Creed a mers la Simon Starling pentru său «Shedboatshed» - un șopron de lemn, pe care a transformat într-o barcă, rafting pe Rin și sa refăcut din nou în hambar.
Urmărind soarta conceptualismului, putem presupune că artiștii vor continua să se extindă granițele pentru ceea ce poate fi o artă, și de a acționa în conformitate cu legământul creatorul „Fântâna“, care o jumătate de secol mai târziu susținută de artistul Donald Dzhadd, spunând că „dacă cineva numit arta ceva, atunci este o artă. "